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L'art et l'âme de Washington, DC rouvrent après rénovation

L'art et l'âme de Washington, DC rouvrent après rénovation


Le restaurant DC du célèbre chef Art Smith propose une cuisine de la ferme à la table

Art and Soul incorpore des éléments naturels dans son décor pour mettre en valeur le menu de la ferme à la table du restaurant.

Chef noté Art Smith (de Southern Art d'Atlanta, entre autres) a rouvert Art and Soul, un restaurant d'inspiration méridionale, après une rénovation d'un mois de la salle à manger, du bar et de la salle à manger privée. Le nouveau look présente des éléments naturels et rustiques. Les convives peuvent s'attendre à voir des panneaux de ferme classiques peints à la main et de l'art populaire traditionnel qui complète le menu de la ferme à la table du restaurant. Les clients peuvent commander des classiques « soul », tels que du poulet fermier frit et des gaufres, ou choisir parmi de nouvelles sections du menu, « Pour la table » et « Pots », qui comprennent des hors-d'œuvre comme des œufs farcis et des couennes de porc, ainsi que des entrées comme le gombo aux fruits de mer et un copieux ragoût de canard et de haricots de riz (destiné à être partagé).

Le lobby redessiné, qui s'intègre harmonieusement dans l'Art et l'Âme, incarne un jardin moderne et urbain. L'un des points forts du nouvel espace est une peinture multimédia qui superpose des cartes anciennes et historiques de Washington, D.C., avec des documents de la Bibliothèque du Congrès, notamment des caricatures politiques, des articles des années 1800 et des photographies. L'œuvre d'art est contrebalancée par la pièce maîtresse du hall, un "arbre" abstrait fabriqué à partir de bois recyclé qui symbolise la fondation de la capitale nationale et son influence sur le reste du monde.

Les voyageurs qui souhaitent séjourner à l'hôtel et profiter de la nourriture chez Art and Soul peuvent profiter de la promotion spéciale de l'hôtel The Liaison Capitol Hill. L'offre est disponible pour les clients jusqu'au 2 septembre et comprend l'hébergement dans une chambre récemment rénovée ainsi qu'un crédit de 100 $ pour les repas et les boissons par nuit à Art and Soul.

Teresa Tobat est la rédactrice en chef de la ville de Washington, D.C. Travel pour The Daily Meal. Suivez-la sur Twitter @ttobat88. Voir son site Web à teresaktobat.com.


L'art et l'âme de Washington, D.C. rouvrent après rénovation - Recettes

Lundi & Mardi
Fermé

Mercredi - Samedi
17h00 - Fermeture

Brunch du dimanche
10h00 - 16h00

Heures heureuses
Mercredi vendredi
16h00 - 19h00

Stations de métro les plus proches

Ligne orange/bleue

Sortie McPherson Square : Vermont Ave/White House
Farragut Nord
(Ligne rouge tournez à gauche sur K St et marchez 2 pâtés de maisons jusqu'à 15th St, tournez à gauche)

Farragut Nord
Sortie Connecticut Ave
Marchez trois pâtés de maisons vers l'est sur la rue K
Tournez à droite sur la 15e à la pharmacie CVS
Nous sommes à mi-chemin du bloc


Les opposants au rachat de la Corcoran Gallery of Art seront entendus

La Corcoran Gallery of Art de Washington a subi un revers surprenant devant le tribunal cette semaine lorsqu'un juge a statué que les membres d'un groupe s'opposant à l'accord de rachat prévu de l'institution avec la National Gallery of Art et l'Université George Washington avaient un statut légal et pourront avoir leur griefs entendus.

Lundi, le juge Robert Okun de la Cour supérieure de D.C. a décidé que neuf membres du groupe Save the Corcoran devaient être autorisés en tant qu'intervenants dans le plan du Corcoran. Selon le groupe, les neuf comprennent des étudiants actuels, un membre du corps professoral et un membre du personnel de la galerie.

La décision d'Okun a maintenu que les individus ont un intérêt particulier dans la procédure et pourraient être affectés par le résultat. La décision signifie que les parties adverses se réuniront lors d'une audience qui comprendra des témoignages et d'autres éléments de preuve.

Plus tôt cette année, les responsables de Corcoran se sont lancés dans un plan qui verrait l'institution artistique absorbée par la National Gallery of Art et la GWU. Le Corcoran a fait face à de nombreux défis financiers au fil des ans et a exploré des accords de fusion ou de prise de contrôle avec d'autres organisations.

L'accord de rachat actuel doit encore être approuvé par le tribunal avant de pouvoir être finalisé. Plus tôt cet été, Save the Corcoran a déposé des documents devant le tribunal pour arrêter la prise de contrôle, arguant que les dirigeants de Corcoran ont mal géré les finances de l'institution et que l'accord "détruirait le Corcoran pour toujours".

Les avocats du Corcoran ont déclaré dans leur réponse que le procès recherchait "une obstruction pour l'obstruction" et que la prise de contrôle était "l'arrangement le plus approprié" pour préserver la collection d'art du Corcoran et la rénovation du bâtiment de style beaux-arts du Corcoran. .

L'association à but non lucratif Corcoran possède une collection de 17 000 pièces d'art américain du XVIIIe siècle à nos jours.


Carte au trésor de la vitesse: Un guide du musée d'art récemment rouvert

C'est l'un des slogans marketing que le Speed ​​Art Museum utilise lors de sa réouverture après une rénovation et une expansion de 60 millions de dollars.

Nous avons donc d'abord demandé aux conservateurs de Speed ​​de nous parler de leur art préféré et incontournable de la collection permanente du musée, quelque chose qu'ils souhaitent que les visiteurs voient. Leurs idées ont rendu l'œuvre d'art vivante et, plus important encore, personnelle.

Maintenant, je vais nommer mes favoris. Oui, le Speed ​​peut les posséder, les abriter et les épousseter, mais ils sont à moi. La liste suivante est pleine de mes vieux amis. Je vous suggère de visiter et de trouver vos favoris, en le laissant vraiment devenir "votre Speed ​​Art Museum".

Hendrix soupire Johnson

"Hendrix Sigh Johnson" de Stephen Rolfe Powell, Verre (1992)

Galerie Moderne et Contemporaine

L'art m'a donné beaucoup de grands amours. En tant qu'historienne des arts décoratifs modernes et contemporains, j'ai un type. Mais je suis inconstant, une magnifique peinture, sculpture, bâtiment ou photographie peut facilement me tourner la tête.

J'ai une relation de longue date avec le verre. À mon retour à Louisville, j'ai découvert le travail de l'artiste verrier du Kentucky de renommée internationale Stephen Rolfe Powell. Ses grandes pièces sculpturales, aux couleurs vives et très texturées, peuvent être repérées dans une pièce bondée. Ou, dans ce cas, une galerie de musée.

La couleur et la texture proviennent de perles de murrini italiennes. Ces cercles de forme irrégulière parsèment son verre, jusqu'à 2 500 sur une seule pièce.

Powell a tendance à donner à son travail des noms absurdes, vaguement méchants. La série "Teaser", qui comprend cette pièce, a généralement des titres de trois mots qui se terminent par Smith, Johnson ou Jones. J'ai mon propre morceau de verre Powell, une perle de murrini jaune et noire de deux pouces qu'il m'a donnée. J'économise pour en collectionner quelques autres, attachés, espérons-le, à un grand vase bulbeux. En attendant, je vais visiter celui-ci.

Carrousel Forme II

"Carousel Form II" de Sam Gilliam, Acrylique sur toile (1969)

Galerie Moderne et Contemporaine

Miranda Lash, la conservatrice de l'art contemporain de Speed, a nommé cette peinture comme l'une de ses pièces préférées au musée. C'est l'un des miens aussi. Bien que l'appeler une peinture soit presque erroné, elle a une qualité tridimensionnelle, comme la sculpture, car elle est si grande et non sur une civière en bois.

Gilliam est diplômé de l'Université de Louisville en 1961 avec une maîtrise en beaux-arts en peinture. Il a rapidement déménagé à Washington, DC, pour finalement faire partie de la Washington Color School, une émanation de l'expressionnisme abstrait des années 1950.

Sa série "Draped" de la fin des années 1960 a fait sensation dans le monde de l'art. Les plis voluptueux de ces peintures abstraites suspendues, couplés à des vagues de couleurs, créent un espace assez théâtral.

Quand je vivais à D.C., mes collègues du Smithsonian American Art Museum savaient qu'il était de Louisville et ont souligné que je devais visiter son atelier. Gilliam est notoirement timide et je ne voulais pas m'imposer. Quand je l'ai finalement rencontré lors d'une exposition, Louisville était le sujet de notre courte conversation.

The Speed ​​a exposé une rétrospective de son art en 2006. Gilliam était présent, toujours timide et modeste, mais heureux de faire partie de l'œuvre de sa vie.

Sans titre

« Sans titre » d'Ed Hamilton, Bronze, calcaire (2000)

Galerie du Kentucky

Ed Hamilton est un trésor local que nous devons partager avec le monde. Qui d'autre connaissez-vous qui a une bannière "Hometown Hero" sur un bâtiment local ainsi qu'un parking pour une de ses œuvres d'art (le Lincoln Memorial on the Waterfront) ?

Il est devenu un artiste de renommée nationale lorsqu'il a remporté le concours pour créer un monument dédié aux soldats afro-américains qui ont combattu pendant la guerre civile. "The Spirit of Freedom", à Washington, DC, centrée sur les mémoriaux, présente trois soldats et un marin sur un front convexe inhabituel. Le buste d'un soldat de l'Union dans la collection Speed ​​est l'une de ces figurines en pied. Au-dessus de lui se trouve la personnification de l'Esprit qui guide tout vers la liberté.

Hamilton est connu pour créer un art émouvant, plein d'humanité et techniquement compliqué. « L'esprit de la liberté » est son œuvre la plus puissante, en grande partie parce qu'elle comprend sur le dos concave le relief sculptural représentant ces familles laissées pour compte.

Ce buste sans titre me rappelle la spiritualité de l'art de Hamilton. Comme je l'ai déjà dit, c'est un historien du corps, de l'âme, du lieu et du temps qui se trouve justement à travailler le métal.

Oiseau de paradis

« L'oiseau du paradis » de Toots Zynsky, Glass (1987)

Galerie Découverte

Il est normal que Toots Zynsky soit dans la Discovery Gallery, car elle a été l'une des premières découvertes de ma vie artistique. Toute l'histoire de l'art que j'ai eue quand j'étais enfant était centrée sur les maîtres, tels que Vincent van Gogh (un favori des enfants), Michel-Ange et Léonard de Vinci. Tous masculins et tous beaux-arts.

Je suis parti sur une autre voie, m'intéressant aux mouvements artistiques plus associés aux arts décoratifs, comme l'Art Nouveau, les Arts et Métiers et l'Art Déco. Mon goût s'est rapidement élargi pour inclure l'artisanat contemporain de qualité muséale.

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En même temps, j'apprenais ce que c'est d'être féministe. Je voulais trouver des femmes artistes travaillant dans mon monde artistique élargi. C'est alors que j'ai découvert Toots Zynsky.

Une femme dans le monde des hommes qui était les premiers stades du mouvement du verre de studio, Zynsky a adopté son surnom de "toots", un mot d'argot pour les femmes, et l'a utilisé professionnellement (son vrai nom est Mary Ann). Elle faisait partie de l'équipe d'origine, dirigée par le virtuose du verre Dale Chihuly, qui a développé la Pilchuck Glass School au début des années 1970. Son style caractéristique, des fils de verre fondus colorés façonnés pour former un vaisseau ondulant, est magnifique.

Cycle de vie (sphère armillaire

« Cycle de vie (sphère armillaire) » de Paul Manship, bronze doré (1924)

Galerie Découverte

Je me souviens de la première fois que j'ai vu une grande quantité de sculptures de Paul Manship. J'étais à Washington, D.C. au Smithsonian American Art Museum. Je suis un fan d'Art Déco, et il est l'un des premiers partisans les plus célèbres de ce style. Le musée possède une grande collection d'œuvres de Manship, quelque chose que je ne savais pas avant de visiter ses galeries.

Je suppose que vous avez également vu son travail, que ce soit en personne ou dans un film ou une émission de télévision se déroulant à New York. Sa pièce la plus célèbre (et l'une des plus grandes) est la « Fontaine de Prométhée » sur la place du Rockefeller Center.

Manship est connu pour son modernisme gréco-romain élégant et stylisé. Habituellement, il rassemble la figure humaine, la mythologie et l'action, bien qu'il ait également créé de grands animaux. L'œuvre de Speed ​​a trois personnages, représentant une famille, niché à l'intérieur de la base d'une sphère armillaire (une ancienne carte des planètes et des étoiles). La famille associée à la sphère représente son allégorie du cycle de la vie.

L'enfant

"L'Enfant" de Mary Cassatt, Huile sur toile (vers 1905)

Galerie américaine et européenne

Je voulais caresser les fesses de ce bébé depuis des décennies.

Demandez à une personne qui ne connaît pas l'art de nommer une artiste féminine et elle dira probablement Mary Cassatt, Frida Kahlo ou Georgia O'Keeffe (elles peuvent généralement nommer un artiste masculin si elles étaient fans des Teenage Mutant Ninja Turtles). Cela aide également que Cassatt ait travaillé dans l'impressionnisme, l'un des styles historiques les plus populaires en Amérique aujourd'hui.

En tant que femme issue d'une famille aisée, il y avait des attentes familiales et sociétales pour elle. Être peintre professionnel n'en faisait pas partie. Mis à l'écart par son père, elle se rend à Paris en 1874, alors capitale mondiale de l'art. Elle a trouvé sa place lorsqu'elle a commencé à peindre des enfants, des femmes et des femmes avec enfants. Le sujet féminin traditionnel a facilité la transition.

Ce tableau était une étude pour un concours. Après avoir appris la corruption politique associée à la nouvelle maison d'État de Harrisburg, en Pennsylvanie, elle l'a retiré du concours de conception. Il est finalement arrivé au Speed, ce qui est certainement un plus pour nous tous.

Vase

Vase par Sara Sax pour Rookwood Pottery

Faïence (1910)

Galerie américaine et européenne

Je collectionne la poterie d'art américaine, une sous-catégorie du mouvement américain des arts et de l'artisanat qui a commencé à la fin du XIXe siècle. Les céramiques étaient soit tournées à la main, soit coulées dans un moule, avec des glaçures mates solides, des motifs incisés ou des images décorées à la main. C'était une forme d'art qui accueillait les femmes, car la céramique était un passe-temps approprié pour les femmes convenables, avant et après le mariage.

Quelques-unes de mes pièces sont de Rookwood Pottery à Cincinnati, l'une des meilleures poteries de son époque. Ouvert en 1880, il s'est effondré pendant la Grande Dépression et a finalement fermé définitivement en 1967, bien plus tard que la plupart des entreprises de poterie d'art.

L'une des décoratrices les plus connues de Rookwood était Sara Sax. Son interprétation stylisée du motif populaire de plumes de paon décore le devant d'un vase de forme standard. Pourtant, il n'y a rien de standard dans ses compétences et sa technique.

Miroir et Vase

Miroir et vase par Louis Comfort Tiffany

Miroir en bronze (vers 1905), Vase en verre (vers 1900)

Galerie américaine et européenne

Louis Comfort Tiffany est devenu une marque renommée, bien que la plupart des gens pensent à tort qu'il s'agit du magasin Tiffany & Co. à New York (c'est l'entreprise de son père). La plupart des lampes à vitraux sont appelées à tort lampes Tiffany. Il a en fait travaillé dans plusieurs médias, et les exemples du Speed ​​aident les téléspectateurs à comprendre la complexité de l'artiste.

Il possédait ou faisait partie de nombreuses entreprises, dont Tiffany Studios et Tiffany Glass and Decorating Co. Il n'était pas toujours le concepteur ou le travailleur, mais nous connaissons le nom de Tiffany en grande partie à cause de la qualité de son art et de son sens du spectacle.

Beaucoup de gens rêvent de trouver un tableau de Picasso dans le grenier. Moi? Que ce soit un vitrail signé Tiffany, s'il vous plaît.


L'hôtel Pontchartrain

La Nouvelle-Orléans, Louisiane

Cocktails au bar sur le toit du Pontchartrain, Hot Tin.

Même dans une ville ancrée dans la tradition et les grandes fioritures, le Pontchartrain récemment rouvert se démarque. Depuis ses débuts en 1927, le pilier de la Nouvelle-Orléans a accueilli tout le monde de Tennessee Williams (qui a travaillé sur Un tramway nommé Désir là-bas) à Rita Hayworth to the Doors, et les résidents de Crescent City se souviennent avec émotion des repas somptueux de Crabmeat Remick, Shrimp Saki et de la Mile High Pie emblématique de l'hôtel dans la salle des Caraïbes. L'expérience moderne soigneusement repensée a beaucoup de touches nostalgiques. À l'enregistrement, on vous remet une grosse clé en métal (le bureau la tiendra pendant que vous explorez la ville). Les chambres colorées présentent un décor vintage inspiré du Garden District (bureaux en bambou, tissus d'ameublement aux tons de bijoux) et le vieux piano à queue est de retour au clubby Bayou Bar. Mais ce n'est pas tout à fait un retour en arrière. Alors que le bar Hot Tin sur le toit joue le glam des années 40, il s'ouvre sur une vue imprenable sur un centre-ville très contemporain. Et dans la nouvelle salle des Caraïbes gérée par John Besh, inondée de vert émeraude et de velours rose en sourdine, vous pouvez toujours commander le Mile High Pie tricolore, mais dans un clin d'œil effronté, vous trouverez un portrait de Lil' Wayne, originaire de la Nouvelle-Orléans, souriant sur une tranche dans le salon adjacent. Les vestes, cependant, sont toujours nécessaires. thepontchartrainhotel.com

L'entrée de l'avenue Saint-Charles à l'ombre des chênes de l'hôtel Pontchartrain.


L'art et l'âme de Washington, D.C. rouvrent après rénovation - Recettes

Le Ben's Chili Bowl sur U Street est un point de repère à Washington depuis son ouverture en 1958. Depuis lors, il sert le célèbre chili con carne du fondateur Ben Ali au sommet de l'aliment de base bien connu de D.C. : les demi-fumées de chili. (Source de la photo : Creative Commons)

« Ben's est un endroit familier et confortable où le pouls de la communauté est non seulement ressenti, mais aussi entendu, l'équivalent nordique de conversations sensuelles pleines de rires et d'histoire tenues au crépuscule sur les porches du sud, le dernier d'un monde en voie de disparition où tout le monde connaissaient à peu près tout le monde, et même quand ils parlaient de toi, personne ne te voulait vraiment de mal. [1] –Le Washington Post, 1989

Selon la co-fondatrice Virginia Ali, Ben's Chili Bowl n'a jamais été "votre restaurant typique". [2] Contrairement à d'autres convives des années 1950, le mari de Virginia, Ben, pensait que « Washington pourrait avoir faim du genre de plats épicés qu'il avait connus en grandissant dans les Caraïbes », et il a donc créé sa propre recette de chili con carne, qui reste un secret de famille bien gardé. [3]

(Source de la photo : Bibliothèque du Congrès)

Un élément unique du restaurant au début était que «le chili épicé de Ben n'était servi que sur des hot-dogs, des demi-fumées ou des hamburgers», et non par le bol comme le suggère le nom de l'endroit. [4] L'invention par Ben du piment à moitié fumé (qu'il n'a jamais essayé lui-même parce que sa foi islamique lui interdisait de manger du porc) est rapidement devenue l'aliment de base de DC, et au cours des 20 années suivantes, les loyaux Washingtoniens ont surmonté un grand nombre de obstacles importants pour obtenir leur dose de chili demi-fumée.

Ben Ali, un immigrant de San Juan, Trinidad, est venu aux États-Unis en 1945 pour fréquenter l'université et finalement devenir médecin. Il a d'abord fréquenté l'Université du Nebraska, mais a été contraint de prendre plusieurs mois de congé pour se remettre d'une fracture du dos après une chute dans une cage d'ascenseur. [5] Après cela, il a fréquenté quatre autres collèges avant d'obtenir finalement son diplôme de l'Université Howard à Shaw. Il a ensuite commencé à l'école dentaire de Howard, mais a ensuite abandonné et a réussi à joindre les deux bouts en faisant tout, des tables d'attente à la vente de biens immobiliers, en passant par la conduite de taxis. [6]

En 1957, cependant, une propriété vacante sur U Street avec une histoire intéressante a attiré l'attention de Ben. En 1910, le bâtiment nouvellement construit abritait le premier cinéma muet appartenant à des Noirs du pays : le Minnehaha situé au 1213 U Street. L'artiste afro-américain de vaudeville Sherman H. Dudley a acheté l'établissement et, de 1913 à 1920, le nouveau Dudley Theatre a servi de théâtre de vaudeville de 200 places. [7]

En 1910, l'emplacement actuel de Ben abritait le Minnehaha, la première maison de cinéma muet appartenant à des Noirs du pays. De 1913 à 1920, le bâtiment était un théâtre de vaudeville de 200 places appartenant à l'artiste de vaudeville afro-américain Sherman H. Dudley. (Source de la photo : Zagat)

Lorsque les numéros de vaudeville et les films muets ont lentement commencé à disparaître en raison de l'introduction des populaires « talkies » (films sonores), le théâtre est devenu une salle de billard. [8] Après la fermeture de la salle de billard en 1957, Ben s'est emparé de la propriété et a commencé un processus de rénovation pour la convertir en restaurant. Pendant cette rénovation, Ben a fait plusieurs voyages à l'Industrial Bank au 11 e et au U où il a rencontré sa future épouse Virginia Rollins. [9] Ben, puis sa fiancée Virginia, ont ouvert le Ben's Chili Bowl le 22 août 1958 et se sont mariés deux mois plus tard.

Ben et Virginia Ali le jour de leur mariage en 1958, deux mois seulement après l'ouverture du restaurant. (Source de la photo : site Web de Ben's Chili Bowl)

L'ouverture de Ben's a eu lieu au milieu de l'ère "Black Broadway" de U Street. Dans le Washington ségrégué du 20e siècle, les Afro-Américains, célébrités ou non, n'étaient pas les bienvenus dans de nombreux lieux de rencontre, restaurants et théâtres du centre-ville de DC, et ont donc créé une communauté dynamique et autosuffisante dans l'U. Quartier de la rue. Cette zone est rapidement devenue le foyer de la communauté noire de la classe moyenne de Washington, et avec l'Université Howard servant de point d'ancrage dans la région, d'autres institutions promouvant l'éducation, la culture et les arts ont vu le jour, y compris plusieurs grands théâtres qui ont contribué à donner naissance au nom « Black Broadway. " Parmi les théâtres les plus célèbres à prendre racine dans cette région, citons le Howard Theatre, les Bohemian Caverns et le Lincoln Theatre. [dix]

Ben's Chili Bowl était idéalement situé en plein cœur du quartier des divertissements de U Street, à côté du Lincoln Theatre et à quelques pas des autres théâtres et clubs de jazz. Situé en plein milieu de l'action, Ben's s'est rapidement imposé comme l'endroit où les musiciens allaient après les concerts, en particulier les artistes de jazz afro-américains qui n'étaient pas les bienvenus au centre-ville. En fait, il était courant de trouver des grands comme Cab Calloway, Sara Vaughan, Ella Fitzgerald et même Duke Ellington, natif de U Street et légende du jazz, s'arrêtant pour un chili dog alors qu'ils jouaient dans des clubs de la région. [11] Bernard Demczuk, professeur d'histoire afro-américaine à l'Université George Washington, et l'historien officiel de Ben ont fait remarquer que « quand Cab Calloway arrivait, une fois qu'il avait quelques chiens chili en lui, l'épice l'envoyait danser de haut en bas. l'allée, en tapotant quelques marches. [12]

Ben's est situé juste à côté du célèbre Lincoln Theatre sur U Street. Cela s'est avéré être un emplacement de choix pour le restaurant car il a attiré tous les grands musiciens de jazz pour une demi-fumée en fin de soirée après leurs concerts dans la région. Des musiciens afro-américains comme Cab Calloway, Ella Fitzgerald et Duke Ellington ne sont que quelques-uns des nombreux qui ont fait de Ben's leur lieu de prédilection car ils n'étaient pas les bienvenus dans les lieux de rencontre du centre-ville de D.C. (Source de la photo : Bibliothèque du Congrès)

Ben's n'était pas seulement peuplé de musiciens célèbres - les dirigeants politiques y ont également tenu des réunions, et le restaurant est devenu un endroit particulièrement important pendant le mouvement des droits civiques. Le Student Nonviolent Coordinating Committee (SNCC) avait son siège de l'autre côté de la rue et son chef, Stokely Carmichael, mangeait chez Ben's tous les jours et utilisait le restaurant comme centre de sensibilisation. Le Dr Martin Luther King Jr. se rendait même occasionnellement chez Ben pour le déjeuner, lorsqu'il visitait Washington. [13]

Cependant, après l'assassinat du Dr King en 1968, Washington a éclaté en violentes émeutes qui ont ravagé le quartier de U Street pendant cinq jours. Alors que de nombreux restaurants et commerces ont fermé en raison des troubles, Ben Ali a obtenu une autorisation spéciale de la police pour garder son restaurant ouvert pendant les émeutes, et c'était l'un des rares restaurants de la région à accueillir des manifestants, des policiers et des pompiers. manger au milieu de la violence. [14] Comme beaucoup d'autres chefs d'entreprise afro-américains, Ben a écrit l'expression « Soul Brother » sur la vitrine de son restaurant dans du savon pour tenter de l'identifier comme une entreprise appartenant à des Noirs et décourager le vandalisme. [15] Que ce soit cet acte, la popularité du restaurant ou simplement la chance, Ben's s'est sorti des émeutes sans être touché par les incendies et le vandalisme qui ont détruit tant d'autres commerces sur U Street.

1968 DC scènes d'émeutes dans le quartier des 14e et 7e rues N.W. Alors que la plupart des commerces du quartier de U Street ont été détruits lors de ces émeutes qui ont éclaté après l'assassinat de Martin Luther King Jr., Ben's n'a pas été touché et a continué à fonctionner pendant les cinq jours violents. (Source de la photo : Bibliothèque du Congrès)

Dans les années 1970 et 1980, cependant, U Street a fait face à une forte augmentation de la criminalité et de la drogue à la suite des émeutes. Comme Nizam Ali, l'un des fils de Ben, a fait remarquer :

« Il y avait une quantité ridicule de trafic de drogue et de crime, et D.C. était la capitale mondiale du meurtre pendant toutes ces années. Mais nous nous sommes toujours sentis en sécurité. C'était toujours un endroit où nous respections le client, peu importe qui il était, et il prenait soin de nous, pour la plupart. Les gens ont toujours eu un respect incroyable pour maman, en particulier. Des dealers aux membres de gangs, ils la considéraient comme une figure maternelle. » [16]

En 2003, Virginia Ali a déclaré Le Washington Post qu'au cours de cette période, le "restaurant a cessé de vendre des gâteaux et des tartes parce que les toxicomanes étaient attirés par les bonbons" et que la police de D.C. a même "surveillé les trafiquants de drogue depuis une fenêtre à l'étage du restaurant". [17]

Bien qu'avec des heures beaucoup plus courtes, Ben's était l'une des rares entreprises à avoir prévalu pendant la guerre contre la drogue. La famille Ali a prouvé qu'elle pouvait continuer à gérer un restaurant apprécié et prospère, mais les temps difficiles continueraient. En 1988, la construction de la ligne verte du métro a commencé dans la rue juste devant leur restaurant. Kamal Ali, un autre des fils de Ben, a fait remarquer que la construction du métro était "presque plus dévastatrice que la drogue, car les gens ne pouvaient pas nous manger". [18] Malgré le cratère de 60 pieds devant le bâtiment et la décision de Ben de réduire le personnel à la famille et à seulement deux autres employés, le restaurant continuait d'attirer des hordes d'habitués fidèles et de recrues à moitié fumeurs. [19] La construction a duré de 1988 à 1991, et Ben’s était la seule entreprise du quartier à avoir survécu. [20]

La construction du métro de la ligne verte a lieu directement devant Ben's en 1989. Ben's était la seule entreprise du quartier à avoir survécu à la construction. (Source de la photo : site Web de Ben's Chili Bowl)

Une fois la ligne de métro terminée, le quartier de la rue U a connu une sorte de rajeunissement. [21] Les entreprises, les restaurants et les théâtres ont commencé à revenir et le quartier est redevenu un centre de divertissement et de vie nocturne.

Aujourd'hui, Ben's Chili Bowl est toujours le point chaud pour manger à D.C., et il continue d'accueillir des célébrités dans son comptoir ou ses cabines rouges recouvertes de vinyle, toutes d'origine des années 1950. L'ancien maire de D.C., Marion Barry, a déclaré un jour que lors d'un voyage au Ghana, il avait rencontré le maire d'Accra, qui était un ancien de l'Université Howard. La première salutation du maire à Barry était : « Ravi de vous avoir à Accra. Le Ben's Chili Bowl est-il toujours là ? [22] Et juste avant son investiture en 2009, l'ancien président Barack Obama s'est même arrêté pour une demi-fumée.

Alors que Ben Ali est malheureusement décédé en 2009, le restaurant est toujours dirigé par deux des fils d'Ali, Nizam et Kamal, et Virginia continue de s'y arrêter régulièrement. Ben's Chili Bowl continuera de se tenir sur U Street comme un rappel de "ce qui était" à Washington, tout en représentant simultanément le progrès, le changement et un peu de piment aussi.


Une maison historique de Washington, DC, agrémentée de mobilier vintage et d'art éclectique

Découvrez comment la designer Zoe Feldman a conçu cette demeure intemporelle, qu'un jeune couple appelle sa maison.

Lorsqu'un groupe de promoteurs immobiliers a acheté une maison de ville historique à Washington, DC, ils étaient déterminés à moderniser chaque centimètre carré de l'espace. Cependant, avant de pouvoir réaliser leur vision, un couple dans la trentaine est intervenu pour acheter la propriété dans le but de la ramener à ses jours de gloire. Les propriétaires ont fait appel à la designer Zoe Feldman, qui a immédiatement été claire sur une chose : elle devait être pleine d'âme et de caractère.

Feldman a joué l'histoire de la maison en incorporant des meubles vintage soigneusement choisis. Pour un sentiment de contraste, elle a superposé les pièces uniques avec des touches modernes et des œuvres d'art éclectiques de la collection personnelle du couple. Lors de la conception de l'espace, elle devait également tenir compte du chien de sauvetage des propriétaires. Des choix pratiques tels que des chaises en cuir végétalien, des tapis à poils ras et des tissus performants étaient donc essentiels. Ce refuge élégant et confortable incarne la marque de fabrique de l'entreprise de design Feldman, qu'elle dirige depuis plus de 15 ans. &ldquoCeci est très conforme à notre esthétique naturelle,&rdquo Feldman dit. &ldquoCela me semble si intemporel, mais toujours si pertinent et vraiment intéressant.&rdquo

Alors que les neutres fondent la maison, elle est également animée de couleur. Dans le salon, un canapé Kara Mann for Baker en velours performance couleur ocre vole la vedette. &ldquoIl agit comme un neutre, mais avec beaucoup de densité,&rdquo Feldman dit. Pour améliorer le look, Feldman a tissé une table de jeux Biedermeier, qui sert d'endroit où le couple peut prendre son café du matin, lire le journal ou l'utiliser pour recevoir sa famille et ses amis.

Un autre point fort est la chambre principale, qui est ornée d'un élégant papier peint à fleurs de William Morris. &ldquoMême s'il a une couleur et un motif, il est toujours très neutre et silencieux&rdquo, dit Feldman. &ldquoCe n'est pas du tout chaotique.&rdquo Des armoires sur mesure ont été installées pour compenser le manque d'espace de rangement et un grand lit de repos intégré ajoute à la sensation de confort du maître.

Le penchant de Feldman pour la couleur et le motif sont également exposés dans les salles de bains. La salle de bain principale est dotée d'un superbe carrelage à motifs à chevrons bleu marine, qui complète les murs blancs éclatants. Il y avait aussi un défi de conception majeur à surmonter : une fenêtre a obligé Feldman à prendre un risque en installant la plomberie de la douche directement sur sa porte vitrée. &ldquoJe n'ai jamais fait cela auparavant, mais cela a fini par fonctionner à merveille parce que vous y entrez et que vous voyez l'arrière de la plomberie et cette douche magnifiquement exposée. avec une salle d'eau&mdashoù le papier peint &ldquoLe Couple&rdquo de Pierre Frey fait également office d'art encadré&mdashqui est inondé dans Farrow & Ball's Bancha.

Pour la salle à manger, Feldman a décidé d'introduire une distinction claire du salon et de la cuisine. Elle y est parvenue en réalisant deux gestes audacieux : peindre le plafond en noir et installer un papier peint texturé neutre dans un imprimé géométrique de Pierre Frey. Feldman a ensuite ponctué l'espace avec des lampes de table vintage surdimensionnées, des œuvres d'art de St. Frank et un abat-jour romain en vert et mdashone des teintes préférées de la femme qui sont présentes dans d'autres zones de la résidence.

Le vert brille à nouveau dans la cuisine, où Farrow & Ball's Card Room Green apparaît sur les armoires, jouant sur les courbes élégantes de l'espace. Elle a également ajouté des luminaires en laiton, une hotte en plâtre et un tapis Oushak vintage pour assembler le design. C'est un changement significatif par rapport à l'ancienne cuisine nue et entièrement blanche.

Et puisque chaque designer comprend le pouvoir d'une première impression forte, Feldman s'est adressé au foyer avec le même brio impressionnant qui est apparent dans presque tous les espaces de la résidence. Ici, des lampes de table sculpturales vintage et une œuvre d'art abstraite colorée de Jenny Prinn donnent de la personnalité. Une table console antique avec un plateau en marbre & mdashanother Chairish find&mdash domine le schéma de conception. Les propriétaires ont été particulièrement intrigués par son aspect vieilli, un trait qui, selon Feldman, a rendu le projet plus agréable pour elle et son équipe de conception. &ldquoQuand une pièce vintage est arrivée et qu'elle n'était pas parfaite à 100 pour cent et qu'elle avait une petite entaille ou une petite bosse, ils étaient tout à fait d'accord avec ça parce que cela faisait partie de l'histoire,&rdquo Feldman explique, notant que les bords de la console sont un peu usés . &ldquoNous aurions pu le restaurer, mais nous avons aimé l'ambiance vécue.&rdquo

Alors que le travail de Feldman est terminé, le travail des propriétaires est loin d'être terminé, car elle souhaitait que le décor évolue avec leur goût au fil du temps. &ldquoLorsque la maison a été terminée, ils voulaient vraiment qu'elle continue d'évoluer et qu'elle ne se sente pas trop statique,&rdquo Feldman. &ldquoIf they find a great piece of art or furniture on their travels, there's still room for it. It's a living space.&rdquo


Willie Mae’s Scotch House Makes Finals

Bon Appetit magazine’s September 2007 Restaurant issue features three finalists in a list of quintessential versions of six American classics: pizza, steak, tacos, hamburgers, fried chicken, and ribs. Winner will be announced on the Food Network on Aug. 18 ( Good Eats with Alton Brown , 6 and 10 pm CDT). The finalists:

PIZZA: Pizzeria Bianco, Phoenix DiFara Pizza, Brooklyn, NY Pizzeria Mozza, Los Angeles
STEAK: Peter Luger Steak House, Brooklyn Cut, Los Angeles Doe’s Eat Place, Greenville, Miss.
TACOS: Taco Taco Cafe, San Antonio Taqueria del Sol, Atlanta South Beach Bar & Grill, Ocean Beach, Calif.
HAMBURGERS: Bobcat Bite, Santa Fe, NM Taylor’s Automatic Refresher, St. Helena, Calif The Meers Store and Restaurant, Lawton, Okla.
FRIED CHICKEN: Willie Mae’s Scotch House, New Orleans Price’s Chicken Coop, Charlotte , NC Blackberry Farm, Walland, Tenn.
RIBS: Charles Vergos Rendezvous, Memphis 17th Street Bar & Grill, Murphysboro, Ill Jaspers, Plano, Texas.

The magazine also features favorite restaurant recipes, including: Lucia’s in Minneapolis-St. Paul Eve in Ann Arbor, Mich. Dali Restaurant & Tapas Bar in Somerville, Mass. Binkley’s Restaurant in Cave Creek, Ariz. Kelly Liken Restaurant in Vail, Colo Pizzeria Mozza in Los Angeles and Park Kitchen in Portland, Ore. … And the mag also features 12 small restaurants and their recipes, including: The Little Owl, New York City The Good Fork, Brooklyn La Laiterie at Farmstead, Providence, RI Cremant, Seattle Bonne Soiree, Chapel Hill, N.C. Hatfield’s, Los Angeles Canteen, San Francisco Revolver, Findlay, Ohio Le Pigeon, Portland, Ore and Komi, Washington, DC. epicurious.com/bonappetit

IN THE NEWS: Tom Fitzmorris’ The New Orleans Menu spotlights Vietnamese eatery Saigon Grill (Mandeville: 2890 E Causeway Blvd.) as well as his Top 10 Steak Houses, topped by Emeril’s Delmonico (1300 St. Charles Ave.), which he calls the best Emeril’s restaurant in the area. nomenu.com … Gambit Weekly ‘s Ian McNulty reviews Chef Eddie Ray King’s Orleans Grapevine Wine Bar & Bistro (720 Orleans Ave., http://www.orleansgrapevine.com). bestofneworleans.com … The Times-Picayune ‘s Brett Anderson examines how restaurants are handling the hot summer months. … Anderson also reports, “By this time next year, the bread pudding soufflé at Commander’s Palace will be available with a harbor view. The famous Garden District restaurant plans to have a new location in Destin, Fla., in time for the vacationing crowds. Commander’s will be a part of HarborWalk Village, a resort development rising along the beach town’s waterfront.” nola.com


Cooper Hewitt Director Plans to Raise Museum’s Profile With Reopening

Caroline Baumann, director of the Cooper Hewitt. The design museum reopens on Friday after a three-year renovation.

Pia Catton

The Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum is mere blocks away from the crowds pouring daily into the Metropolitan Museum of Art and the Solomon R. Guggenheim Museum, but for Caroline Baumann, that only adds to her frustration.

“If you ask tourists exiting the Guggenheim, ‘What is Cooper Hewitt? Where is Cooper Hewitt?’ ” she said, “maybe seven out of 10 won’t know. Or even higher.”

Ms. Baumann, the design museum’s director, has been striving for years to change that, and starting Friday, she may have her chance.

After a three-year, $81 million renovation, during which the museum was closed to the public, a reinvigorated Cooper Hewitt is set to reopen. The 1902 mansion that was once Andrew Carnegie’s home now has 60% more gallery space, interactive elements to highlight its collection, and free access to its cafe and garden starting at 7:30 a.m. daily.

Visitors will be able to touch objects and try their hand at design in a new lab, compare centuries of tools in a new exhibition, and step into an “immersion room” where they can see or create wallpaper designs that are then projected onto the walls.


The New Serenity

In 1997 Frank Gehry pulled off what many critics still see as an architectural miracle. His ebulliently sculptural Guggenheim Museum in Bilbao, Spain, transformed a declining industrial city in the Basque region into a global tourist attraction. Art-museum trustees and directors in other cities quickly tried to imitate the so-called Bilbao effect. They hoped that a spectacular cultural facility would inspire a similar success story: rebranding their communities, boosting the local economy, and attracting tourists in droves. The Milwaukee Art Museum built a spectacular expansion with winglike canopies designed by Santiago Calatrava of Spain. The Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C., plans to break ground next year on a shiny, metal-clad expansion designed by Gehry. And Daniel Libeskind, co-architect of the Freedom Tower at Ground Zero in New York, designed a craggy, sharp-edged expansion for the Denver Art Museum, scheduled to open in the fall of next year.

But eight years after Bilbao, a reaction is setting in. While art museums in the United States are expanding at a breathtaking pace, the desire to emulate Gehry&rsquos Spanish miracle looks increasingly like the exception, not the rule. And while museum directors continue to justify large expansion projects in terms of the tourism and attention they attract, they&rsquore talking less and less about spectacular architecture as a primary goal. Instead, they emphasize the importance of showcasing collections, creating larger spaces suitable for the demands of contemporary art, and serving local audiences rather than attracting tourists.

The new ethos is in part a response to criticisms that Gehry&rsquos architecture in Bilbao, while a powerful artistic statement in itself, at times overshadowed the contents of the museum. Financial reality is also behind the shift. In today&rsquos straitened economic climate, museums have been less inclined to market themselves as civic trophies that swagger on the skyline. Museum directors and their boards have been chastened by the example of Milwaukee, where Calatrava&rsquos dramatic design led to a $25 million debt in 2000, from which the museum is only now beginning to recover. Also significant is the example of the Bellevue Art Museum outside Seattle, which closed its doors in 2003, shortly after having opened a beautiful $23 million building designed by Steven Holl&mdashproving, perhaps, that eye-catching architecture isn&rsquot everything. In this case, according to numerous press accounts, exhibitions failed to attract attendance, which led to a shortfall in revenue for an institution that was, in essence, undercapitalized. (The museum is scheduled to reopen later this year as a center for crafts and design.)

So while star architects such as Gehry, Libeskind, and Rem Koolhaas continue to design high-impact cultural buildings around the world, art museums in the United States have been retreating from explosive innovation to a more restrained Modernism and a mood of tranquil equipoise. At the same time, art museums are generally avoiding historicist quotations of architectural styles from the past. Postmodernism, as an approach to museum design, is out of fashion.

If one architect crystallizes the moment, it is the Italian-born Renzo Piano, whom James Cuno, director of the Art Institute of Chicago, calls the &ldquomost sensitive and profound architect designing museums today.&rdquo Known for the luminous use of daylight he achieved at the Menil Collection in Houston in 1987, Piano has won commissions for more than a half dozen of the most important current art-museum projects. They include expansions proposed for the Isabella Stewart Gardner Museum in Boston the Art Institute of Chicago the Whitney Museum and the Pierpont Morgan Library in New York the High Museum of Art in Atlanta the Los Angeles County Museum of Art and the Nasher Sculpture Center in Dallas.

&ldquoFor every action there is an equal and opposite reaction,&rdquo says Willard Holmes, director of the Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford, Connecticut. &ldquoPeople look at Piano&rsquos architecture and see it as an antidote to Gehry&rsquos architecture. They both build wonderful spaces, but Piano holds out the promise of something that is calming rather than energizing, something that is serene rather than active.&rdquo Of course Piano isn&rsquot the only advocate of what might be called the New Serenity. Other examples of the more subdued approach include the $48.6 million Figge Art Museum in Davenport, Iowa, designed for a site along the Mississippi River by architect David Chipperfield of England as a series of rectangular forms sheathed in delicate lattices of glass and metal. Also notable is the widespread enthusiasm for the work of Japanese architects, whose austere esthetics have been embraced by many American museums. Japanese Modernists Kazuyo Sejima and Ryue Nishizawa have been chosen to design a recondite tower of stacked, boxy shapes on the Bowery in New York for the New Museum of Contemporary Art and a ghostly, minimalist building for the new Glass Pavilion at the Toledo Museum of Art. Tadao Ando, known for his elegant use of glass and concrete, designed the Modern Art Museum of Fort Worth and the Pulitzer Foundation for the Arts in St. Louis. And Yoshio Taniguchi, who just completed the expanded Museum of Modern Art in New York, has been tapped to design a new building in Houston&rsquos museum district for Asia House of the Asia Society Texas.

&ldquoPeople are thinking twice about destination architecture because they&rsquore beginning to realize that to survive and remain a very viable and good museum, you&rsquove got to have a good place to show the work,&rdquo says Agnes Gund, president emerita of the Museum of Modern Art in New York. As president from 1991 to 2002, Gund helped lead the museum through an $858 million capital campaign that paid for the $425 million expansion and renovation. Gund also played a leading role in setting the tone for Taniguchi&rsquos minimal, elegant, and classically Modernist design, which has been praised widely. &ldquoSexy architecture is very good, but it doesn&rsquot work for the purpose that it&rsquos supposed to serve,&rdquo she comments.

Citing similar arguments, other museum directors say their projects are not at all like the Guggenheim Bilbao, conceptually or architecturally. &ldquoBilbao was an aberration,&rdquo says Kathy Halbreich, director of the Walker Art Center in Minneapolis, which will inaugurate its own expansion and renovation on the 17th of next month. &ldquoThe aberration was that there&rsquos only one Bilbao, in part because of Gehry&rsquos architecture. It&rsquos a place of pilgrimage, and I don&rsquot think places of pilgrimage can ultimately be sustained. Pilgrims don&rsquot sustain communities&mdashlocal audiences sustain communities. And it&rsquos the programs that are the heart and soul of any building.&rdquo Halbreich describes the Walker&rsquos expansion&mdasha $67.5 million project designed by the Swiss firm Herzog & de Meuron, renovation architects of the Tate Modern in London, as well as its recently announced, upcoming expansion&mdashas &ldquoenormously mission-centered,&rdquo not an architectural gesture for its own sake.

The projects in New York, Minneapolis, and other cities are part of a wave of art-museum construction that certainly owes part of its strength to the success of the Guggenheim Bilbao. Despite the economic slump that started in 2000, and the impact of terrorism and the
war in Iraq, dozens of art museum expansions and renovations are under way from the coasts to the heartland, in what surely constitutes one of the biggest booms of its kind in American history.

Signs of a new mood in museum architecture include the Los Angeles County Museum of Art and the Whitney&rsquos choices of Piano to design their expansions after having both scrapped flamboyant proposals by Koolhaas. The Los Angeles museum&rsquos director Andrea Rich declined to comment on the reasons for dropping Koolhaas, who would have demolished much of the museum&rsquos existing complex before replacing it with a gigantic canopy over reconstructed galleries. Whitney director Adam Weinberg, who joined the museum after its board decided not to proceed with Koolhaas, says he has no direct knowledge of the decision to cancel a $300 million Koolhaas proposal, which called for a tower that would have been cantilevered over the museum&rsquos bunkerlike 1966 building designed by Marcel Breuer. &ldquoI&rsquom a great admirer of Rem Koolhaas, and he had quite an amazing vision for the Whitney,&rdquo says Weinberg. &ldquoBut I would like to get away, frankly, from the comparisons&rdquo between Koolhaas and Piano. Nevertheless, he says, &ldquoRenzo&rsquos work has a kind of classicism to it. He has this way of finding that right balance between tension and composure.&rdquo

The Art Institute of Chicago&rsquos $135 million expansion, for which the museum plans to break ground this spring, will rise on an unsightly, abandoned area on the northeast corner of the museum&rsquos property, which faces the newly completed Millennium Park complex designed by Gehry near the city&rsquos lakefront. Cuno says the addition is intended to bring the area to life. But Piano&rsquos design for the project was driven primarily by internal needs, rather than by the desire to compete with the undulating sunburst of Gehry&rsquos metal-clad band shell and concert facility across the street. &ldquoThe project was designed to advance the core mission of the museum,&rdquo says Cuno. &ldquoIt was designed to add more gallery and education space, rather than temporary exhibition space or retail shops.&rdquo

Despite the trend toward conservative Modernism in museum design, there are powerful exceptions. David Gordon, director of the Milwaukee Art Museum, unabashedly champions Milwaukee&rsquos decision to build the expansion designed by Calatrava, with winglike, mechanized sunscreens that open and close. He says the museum has raised $19 million to pay off its $25 million debt, and he believes it will gather the rest. A native of Great Britain, Gordon says he has adopted an American, can-do attitude. &ldquoIn the States you do something ambitious, you go out on a limb, you find a way to raise money, and you ride on,&rdquo he says.

Mitchell Kahan, director of the Akron Art Museum, is confident he&rsquoll raise the additional $10 million he needs to complete the museum&rsquos $38 million expansion, which will be the first in the United States designed by the chic Viennese architecture firm Coop Himmelb(l)au. The building, an addition to the late-19th-century post office that now houses the museum, will feature a dramatic, winglike roof floating over masonry-enclosed galleries and a glassy lobby with canted walls of glass. &ldquoIf cultural institutions do not embrace innovation in architecture, no one will,&rdquo says Kahan. &ldquoIt is truly our responsibility to push the envelope, because the commercial sector will not.&rdquo Kahan also believes art museums need to stretch financially to make significant architectural statements. &ldquoAt Milwaukee the focus is on the cost overrun,&rdquo he says. &ldquoThat&rsquos a choice they made, and I admire it. A few years of tightening the belt is nothing compared with having something that serves the community for the next century. I don&rsquot know why people are so critical.&rdquo

If there&rsquos one museum project in the United States clearly influenced by Bilbao, it&rsquos the Denver Art Museum&rsquos $90 million addition, a Libeskind composition in jagged, thrusting shapes clad in titanium, like Gehry&rsquos building and Libeskind&rsquos own breakthrough project, the Jewish Museum in Berlin, completed in 1998. Denver museum director Lewis Sharp says he first dreamed of making an architecturally dramatic statement when he attended the opening of the Guggenheim Bilbao at the invitation of a Denver Art Museum trustee whose company had manufactured titanium panels for the gleaming, fish scale&ndashlike facades of Gehry&rsquos building.

&ldquoI was completely knocked over,&rdquo Sharp says. &ldquoIt was an incredible visual experience.&rdquo He also remembers thinking that if he ever had the chance to expand the museum in Denver, &ldquoI hoped we would do something as bold and as exciting to house our future program.&rdquo Now, after eight years and a successful, $120 million capital campaign, construction of the Denver museum&rsquos addition is well under way. A pedestrian bridge will connect it to the Brutalist castle designed for the museum in 1971 by Gio Ponti of Italy. Sharp estimates that when the expansion opens in late 2006, Libeskind&rsquos architecture will be a major factor in boosting attendance to 1 million from 400,000 in the first year, before settling down to 600,000 or 700,000. &ldquoThis building is going to attract people from around the country and around the world,&rdquo he says.

But Sharp also describes the project as a cultural expression of a moment of financial opportunity and civic optimism that occurred in the late 1990s&mdashbefore the stock market downturn that started in early 2000. In 1999 the Denver museum raised the money for its Libeskind project with ease, winning $62.5 million in a citywide vote on a municipal bond, and then gathering another $61 million privately within three months. Emboldened by that momentum, the city added a privately developed condominium tower, also designed by Libeskind, next to the museum and its parking garage. But Sharp says that starting the project today, in the gloomier economic climate, would be impossible.

Libeskind defends the idea of the museum as spectacle. &ldquoI don&rsquot admire neutrality,&rdquo he said at a panel titled &ldquoBeyond Bilbao: Museum Architecture in the 21st Century,&rdquo recently held in New York by the Art Dealers Association of America. &ldquoPeople expect more of life today, more of their coffee, more of their environment, of what they see. Why shouldn&rsquot museums be any different?&rdquo

The Wadsworth Atheneum wasn&rsquot quite as fortunate in its timing as Denver. The museum&rsquos effort to raise $120 million in a capital campaign for a controversial and architecturally ambitious project designed by UN Studio of the Netherlands was hobbled by the stock market downturn, by 9/11, and by the sheer difficulty of raising money in a region bracketed by big museums in New York and Boston. After internal conflict over the UN Studio design, the Atheneum&rsquos former director, Kate Sellers, resigned in fall 2002, followed by board president George David and five other trustees in early 2003.

&ldquoThe museum came to the party of the 1990s late, and by the time it got its building designed and its campaign going, there was a huge competition within the Northeast region for dollars,&rdquo says Holmes. &ldquoI think there was an overreliance on dramatic architecture to solve the Atheneum&rsquos problems.&rdquo Holmes adds that the project collapsed not only because of its polarizing design but also because it was a stand-alone effort, not part of a larger, civic revival. &ldquoThere was not a coordinated effort on the part of state, local, and corporate interests to find a way to revive the fortunes of Hartford.&rdquo Now, under Holmes, the Atheneum is exploring the idea of a more modest expansion to provide additional exhibition space, along with moving its offices to a renovated building across the street.

In a less traumatic manner, the state-owned North Carolina Museum of Art in Raleigh changed course when it got a cool response from donors and legislators to a $100 million expansion plan designed by Richard Gluckman in 2001. The plan would have enlarged the museum&rsquos original building, designed by Edward Durell Stone and completed in 1981. But it was judged too big a hurdle in the economic downturn earlier in this decade. The museum changed direction decisively when the state tore down an adjacent prison and donated the land to the museum, creating a new expansion opportunity. It hired architect Thomas Phifer of New York, a former associate of Richard Meier, to design five glassy pavilions separated by gardens and reflecting pools along the ridgetop site of the former prison. The new $70 million plan provides the space the museum needs, and it&rsquos cheaper.

Other major urban art museums that embarked on expansions after the 1990s are moving ahead, although more slowly than they anticipated. After three years of raising money quietly for a $425 million expansion and renovation designed by Sir Norman Foster of Great Britain, the Museum of Fine Arts, Boston announced last September that it had raised $245 million for the project. While it is a record for a cultural institution in Boston, it still leaves the museum with 42 percent of the balance to raise for the project. Foster&rsquos design, which aims to insert a &ldquocrystal spine&rdquo of galleries and walkways into existing museum courtyards, is not so much aimed at giving the museum a new signature statement as at clarifying and expanding its confusing, haphazardly organized interior.

The Detroit Institute of Arts has raised $230 million to increase its endowment and to pay for a long-delayed renovation designed by Michael Graves in 1988. But the museum has been stymied by state-budget cuts and squabbles over governance with the city of Detroit, which owns the museum&rsquos building, though not its collection. Director Graham Beal recently announced yet another delay after the museum found it had to spend $57 million to remove asbestos from parts of the building. The discovery has increased the goal of the museum&rsquos capital campaign to $410 million from $330 million, and pushed back the completion of the project to 2007. Officials at the Cleveland Museum of Art had originally hoped to break ground this fall for a $225 million renovation and expansion designed by Rafael Vi_oly. But as of January they had announced neither how much they had raised nor a date for the groundbreaking.

One thing most museum directors agree on: all that new space will be necessary. In particular, they feel confident that there will be an ample supply of new art to fill the sizable spaces for contemporary art included in many of the new expansions.

&ldquoThere&rsquos going to be no end to this,&rdquo Cuno says. &ldquoThat&rsquos one of the great glories of museum work. There&rsquos always going to be more art made in the future. It&rsquos a growth industry. More people are going to live longer, and therefore more people will make art over longer periods than in the past, and there are going to be more people around to appreciate it.&rdquo

Steven Litt is the art and architecture critic of Le marchand simple in Cleveland.